Cada año Dedicamos nuestro expertiz  en la preparación de nuevas curadurías

Nuevas ideas surgen y nuevos caminos se diseñan para esta serie de narrativas 

, ya estamos a días de terminar el 2019 y pronto iniciaremos los proyectos curatoriales que nos ocuparan el 2020 , ya surgen nuevas ideas que se acompañaran de muchas obras inéditas enmarcadas con las finas y complejas investigaciones 

parta nuestra colección de arte , esta nueva meta fija la ruta y el diseño de las mismas

que seguramente seguirán aportando mucho relevantes datos que enriquecerán nuestra historia

Adolfo Cantú

Colección de Arte Cantú Y de Teresa

William Josiah Redworth fue un artista visual británico que nació en 1873. Varias obras del artista han sido vendidas en subasta, entre ellas 'Polo Pony al lado de Trees and Vegetation' vendido en Tennants Auctioneers 'Spring Catalog - 3 Day Sale' en 2009. El artista murió en 1947.

En la Adquisición y preservación del Arte como patrimonio

Las obras de arte son objetos materiales complejos que pueden deteriorarse o dañarse con el tiempo.  Su cuidado y su buen resguardo dependen de muchos factores 

Cuando un coleccionista compra una obra de arte, necesita conocer su estado de conservación y calcular los posibles fenómenos de degradación y acciones para prevenirlos, calculando de antemano el lugar permanente de la obra , la temperatura, asi como la iluminación natural como la iluminación ------ 

Arte Monumental Restauros , Curadurías y Proyectos CYDT

poryectosyrestauros-cydt

cumpliendo dos décadas de una incansable labor dentro de los menesteres del Arte

La colección de Arte Cantú Y de Teresa traza una ruta tan extensa como el sofisticado ramaje de un rosal , Proyectos investigaciones , restauraciones, curadurías, todos en conjunto monumentales  y asi como este próximo 2017 nos acercaremos a la celebración de dos décadas de fructífero trabajo , este sueño encauzado por el recuerdo de nuestros abuelos y fomentado por nuestros padres continuara pro nosotros y nuestras próximas generaciones , tanto el Fideicomiso Elsa y Federico

como nuestra colección CYDT legaran a Nuestra Nación la riqueza de un legado excepcional.

Restauros Curadurías  y  Proyectos monumentales  es la ventana que permite

Acercarnos por medio dela web a el mundo del ciberespacio cultural

Y aquí vamos por otra década mas donde tendremos mucho que aportar a el mundo

Adolfo Cantú 

Colección de Arte Cantú Y de Teresa

Federico Cantú 1907-1989

Rostro de Gloria 1950

Escultura yeso patinado

30X20X17cm

Colección Cantú Y de Teresa

On Bord

S.S Mexico

New York And Cuba Mail Steamship Company

Nov 17 de 1938

Mi Gloria adorada, mucho he pensado en ti y eres antes que nadie a quien escribo

Si es cierto que debo escribirle a Diana y a Mamá, primero a ti porque necesito convencerte de lo mucho que siento tu falta de fe en mi.

Porque dudas de esa manera de mi cariño? Porque has de tener la idea de que soy un hipócrita?

Porque confundes mis enormes deseos de triunfar con otras cosas ajenas a mi 

uuu las que no he pensado siquiera, borracheras , viejas etc…

con los mayores deseos de abrirme paso he tenido que hacer este viaje en la forma que tu sabes mejor que nadie, De prisa, “bruja” y con una nerviosidad tal 

que en este momento tengo aun el dinero mexicano en la bolsa , y en el vapor no me lo cambian Tendré que cambiar una parte en Habana y otra con unos militares mexicanos polistas que viajan en este mismo barco 

El barco es bonito pero he cambiado tanto que ahora los americanosgentes que yo imaginaba como Tonny Glerias , Luis Sterets

Obra Monumental en la Unidad Independencia

Federico Cantú es uno de los pocos pintores que a pesar de pertenecer al grupo de los grandes maestros de la plástica mexicana del siglo XX su iconografía permaneció distante y no cedió al incansable acoso de las posturas de la llamada “mexicanidad”. El mismo Federico afirmaba que dentro de su obra podríamos encontrar una extensa variedad de corrientes espirituales de diferentes estilos. Sin embargo, su legado advierte un sello muy personal. 

En Cantú, la mexicanidad es universal y para entender todo este laberinto iconográfico, el artista retoma una de las frase que discutió en el café de La Rotond, con su amigo y protector Alfonso Reyes durante su larga estadía en Montparnasse de 1924 a 1934: “la única manera de ser provechosamente nacional consiste en ser generosamente universal” y agregaba “pues nunca la parte se entendió sin el todo”. 

Federico Heraclio Cantú Garza, mejor conocido como Federico Cantú, nació el 3 de marzo de 1907 en Cadereyta de Jiménez, Nuevo León. Cantú personifica uno de los más sorprendentes artistas del pasado siglo. Su obra encaja dentro de tres grandes escuelas del siglo XX: la Escuela de París, la de Nueva York y la Mexicana de Pintura, por ello se desprenden obras que abordan la comedia del arte, la mitología, la obra sacra, el retrato, los pasajes histórico-mitológicos y un sinnúmero de obras basadas en las grandes oratorias y óperas del extenso barroco europeo. 

Fue un virtuoso del buril, el cincel y el pincel. Federico dominó con la misma maestría, el arte de caballete como la pintura mural, que conocemos. 

En este recorrido, intitulado Memoria mural, Cantú recuerda en una entrevista de 1985 cómo a su temprana edad, viviendo con su madre la escritora Luisa Garza (Loreley), en San Antonio, Texas, ya estaba pintando en los pizarrones de la escuela. Entre sus temas estaban la natividad y pasajes de la historia de Estados Unidos.

Gloria Calero

En la próxima subasta de Christie’s dedicada a la pintura Latinoamericana 
Hay obras muy interesantes, entre ellas la que Siqueiros ; un retrato de Gloria Calero en 1931

Las obras de arte tienen historias ocultas

El 22 de Febrero de 1930 en la Ciudad de México celebraban su matrimonio Santiago ( Chano) Urueta Sierra y Gloria Calero Sierra , ambos dos, primos hermanos y nietos de Don Justo Sierra
Paralelamente pero en Paris Federico Cantú se dedicaba a vivir con mucha intensidad la vida Bohemia dentro del grupo de Españoles donde Picasso era la figura estelar. 

De regreso ya en México en 1934, Federico Cantú se re integra a el grupo de La Escuela Mexicana de Pintura y Escultura , misma que frecuenta la Galería de Inés Amor ( GAM Galería )
De esa manera Dr. Atl , Diego Rivera , Frida Kahlo, José Clemente Orozco , Federico Cantú , David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo , Maria Izquierdo, Jesús Guerrero Galván, Carlos Mérida, Roberto Montenegro, Tamiji Kitagawa ……… todos ellos frecuentan la galería y exponen juntos y por separado.

1935 termina con la exposición de Ortiz Monasterio ( octubre)
Tamayo en ( Noviembre) y n Enero de 1936 toca el turno a Federico Cantú. Para la exposición se escriben diferentes artículos y el de 14 de Enero lo firma Chano Urueta.

Imaginemos la historia: Chano escribe un articulo , Federico se lo agradece enamorando a su esposa y el episodio termina con golpes y un divorcio firmado el 4 de marzo de ese mismo año.

Existen algunos muy buenos ejemplos donde los grandes maestros de la Escuela Mexicana , representan su pensamiento pictórico de una manera ejemplar:
Recordemos la serie de obras dedicadas a Elisa Zaldívar de Gutiérrez Roldan , que realmente son extraordinarias , lo mismo sucede con las dedicadas a Maria Asúnsolo.

Regresando a esta obra que pronto se subastara en Nueva York y en donde Gloria Calero, que fue pintada por Siqueiros en 1931, nos hace pensar, que junto con la obra de Cordelia, fueron abandonadas ambas por Gloria despues de esa trágica salida de casa!

Para fortuna de Gloria, su figura quedara inmortalizada dentro de un sinnúmero de obras maestras a partir de su encuentro en 1936 con Federico Cantú , respondiendo a esa condición originaria y publica del arte , luminosamente definida por Gérard de Nerval : La vida de un poeta es la vida de todos.

Coloquio Redes de Vanguardia Latinoamericana 

El recinto que celebra su 85 aniversario presentará la muestra hasta enero de 2020

Reúne más de 250 piezas que marcaron el arte latinoamericano de los años veinte del siglo pasado en Argentina, México y Perú

Amauta, palabra quechua que significa sabio, es el nombre que José Carlos Mariátegui (1894–1930) puso a la revista que fundó y dirigió, abierta a los debates estéticos y vanguardistas de la primera mitad del siglo XX. Artistas y escritores latinoamericanos participaron en los 30 números que se publicaron de la revista y es en torno a ella que gira la exposición Redes de vanguardia: Amauta y América Latina 1926-1930 que se inauguró en el Palacio de Bellas Artes.

Pinturas, litografías, bronces, objetos de arte popular, fotografías, documentos y, desde luego, varias ediciones de la revista Amauta, conforman la exposición que reúne más de 250 piezas que marcaron el arte latinoamericano de los años veinte del siglo pasado en Argentina, México y Perú.

La subdirectora general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), Luz Elena Ramírez Rasgado; Julio Garro Gálvez, embajador de Perú en México; Miguel Fernández Félix, director del Museo del Palacio de Bellas Artes; José Carlos Mariátegui, representante del Museo Mali de Perú y nieto del director de Amauta, así como las curadoras Natalia Majluf, historiadora de arte y directora del Museo de Arte de Lima, y Beverly Adams, curadora de Arte Latinoamericano del MoMA y del Blanton Museum of Art, estuvieron en la inauguración.

La subdirectora general del INBAL señaló que “hoy nos corresponde recordar a uno de los hitos de las publicaciones vanguardistas latinoamericanas, la revista peruana Amauta, fundada por José Carlos Mariátegui en 1926”.

Comentó que Mariátegui fue uno de los primeros pensadores que vieron en la multiplicidad artística latinoamericana un destino compartido y no estaba sólo en ese esfuerzo, contó con la participación de Diego Rivera, Murillo y Vasconcelos por la parte mexicana.

La exposición busca reproducir su dimensión estética y también la complejidad de un diálogo entre los pioneros del arte latinoamericano. “Nos permite no solo estudiar las ediciones originales, apreciar a plenitud las obras de varios de sus colaboradores que con el paso del tiempo y a la luz de la crítica contemporánea se han convertido en maestros indispensables del quehacer artístico de América Latina, también es posible descifrar en Amauta auténticas cartografías intelectuales orientadas a partir de Lima, Buenos Aires y la Ciudad de México”.

Por su parte, Miguel Fernández Félix mencionó que esta exposición da continuidad a una serie de proyectos de reflexión que ha desarrollado el Museo del Palacio de Bellas Artes.

“Ahora analiza lo que sucedió en un periodo muy importante de los años veinte del siglo XX en Perú, Argentina y México, a través de José Carlos Mariátegui, intelectual que no solo dejó huella en la reflexión del marxismo, su viaje a Europa lo marcó en lo artístico y a su regreso inició la creación de una revista que ha sido un faro para todos los que creemos que América Latina y que generó puntos de confluencia entre nosotros”.

Añadió que la revista Amauta fue punto nodal con México, por lo que es un orgullo que Natalia Majluf y Beverly Adams hicieran esta reflexión sobre el tema de las vanguardias latinoamericanas, que sitúa a la revista en un lugar preponderante no sólo en términos de literatura y política, sino en las artes plásticas.

“Perú y México no sólo somos hermanos, somos gemelos”, dijo el director del museo, quien señaló que copió la frase al embajador Julio Garro. Agradeció, asimismo, al Museo Mali y a José Carlos Mariátegui (nieto) por su colaboración en la exposición.

Dividida en cinco núcleos temáticos, la muestra incluye trabajos de artistas como Ramón Alva de la Canal, Camilo Blas, Norah Borges, Martín Chambi, Julia Codesido, Elena Izcue, Agustín Lazo, Carlos Mérida, Emilio Pettoruti, Diego Rivera, José Clemente Orozco, José Sabogal, Tina Modotti y Alejandro Xul Solar, entre otros.

Parte 1

Parte 2

Se pueden observar, entre otras obras, el ejemplar número uno de la revista Amauta de septiembre de 1926, editado en la ciudad de Lima, un óleo de Ramón Alva de la Canal titulado El café de nadie; Alegoría a los labradores, óleo sobre tela de Carlos Quizpez, y El recluta, de José Sabogal.

También hay una escultura en bronce, El guitarrista, de Pablo Curatella; los óleos Combate, de José Clemente Orozco; Puerto, de Fermín Revueltas; la pieza Máscaras I, de Germán Cueto; un tapiz en seda de la Bandera Mexicana, colección Lola Cueto, y la litografía Desnudo de mujer, de Siqueiros, entre otras piezas.

Entre los libros destacan Emiliano Zapata. Exaltación, de Germán List Arzubide, de los Talleres Gráficos del Gobierno de Veracruz, y El idioma de los argentinos, de Jorge Luis Borges.

El grupo Cuicani amenizó la inauguración con la interpretación de algunas piezas del folclore peruano.

Parte 3

Conclusiones:

Magnifica oportunidad de revalorar el arte Latinoamericano:

De paso y de acuerdo con la visión de Miguel Fernández Félix

Que bueno que las curadurías y la investigación

estén vinculadas con Estéticas de la UNAM.

Natalia Majluf , hace mención en su ponencia del hecho 

de que dentro de las grandes revisiones de la pintura Latinoamericana

han sido  imprecisas, ejemplo de ello, fue la ausencia de pintores 

Peruanos dentro de la Exposición del

Museo Metropolitano en 1993 en Nueva York ( y la ausencia de varios mexicanos)

Lo mismo podemos  observa dentro de la narrativa, donde se aborda

Las publicaciones de Xilografía de Jean Charlot y Justino Fernández 

Surgidas de la Escuela al aire libre, 

donde en ese mismo momento Federico Cantú

deja testimonio de su visión nacionalista en la xilografía

Publicada en Los Ángeles California – Alma Femenina (1929)

Donde a manera de Doble retrato ( Federico Cantú Y Luz Fabila )

Se retratan como novios mexicanos

Curioso observar la firma , donde decide ( a manera de Justino Fernández )

Simplemente colocar sus iniciales . Cabe destacar que dentro de la Carpeta Dorian ( perdida en París desde 1930 ) también podemos encontrar una de las pocas Xilografías sobrevivientes que Cantú imprimiera en 1929 en California.

Madona 1928 & La Epifanía 1942
Federico Cantú 1907-1989

Federico y su obra sacra
La inclinación religiosa de Federico Cantú surge dentro de su obra a partir de su estancia en el Paris de los años 20, bocetos en cuadernos de trabajo llevados primeramente a trabajos de caballete pronto se convierten en obras murales que acompañaran la narrativa del artista durante toda su trayectoria , quizá como bien lo expresaba el propio Cantú , su pincel esta poseído por la mano de Dios quien constantemente lo guía como fueron guiados todos los maestros del Renacimiento Italiano

Del libro del apocalipsis
«El Cordero que fue inmolado es digno de tomar el poder, las riquezas, la sabiduría, la fortaleza, la honra, la gloria y la alabanza»

(Apocalipsis 5:6, 7:14, 13:8, etcétera). Pero sería correcto decir también que esta imagen es absolutamente central en toda la teología cristiana: el cordero ha sido una de las imágenes simbólicas centrales de la religión cristiana desde los primeros siglos de su existencia; la idea del cordero sin mancha, sacrificado por los pecados de los hombres ha sido uno de los leitmotivs (motivos) del cristianismo a través de su historia. De acuerdo con esto, uno podría esperar que las páginas del Nuevo Testamento estén llenas del imaginario del cordero, pero es bastante sorprendente, que aparte del libro de Apocalipsis, casi no encontremos esta imagen aquí. No la encontramos en las epístolas de Pablo, los primeros escritos del Nuevo Testamento;
Esto ocurre en el primer capítulo del Evangelio de Juan donde Juan el Bautista pronuncia esta enigmática exclamación: «He aquí el cordero de Dios, que quita los pecados del mundo».

El cordero de la Aqeda

Vayamos a los Tanajin, la palabra hebrea para cordero raramente aparece. Sin embargo, no es díficil adivinar dónde encontramos la palabra «cordero» por primera vez. Por supuesto, la primera cita se encuentra en Génesis 22, en la Aqedat Itzjak: Cuando Isaac es conducido a la montaña por su padre, le pregunta a Abraham: «He aquí el fuego y la leña; mas ¿dónde está el cordero para el holocausto?» en el libro de Apocalipsis, comienza aquí—, con la inocente, confiada y casi ingenua pregunta de Isaac: «¿dónde está el cordero para el holocausto?»
el Midrash explícitamente declara que Abraham ofreció dos sacrificios, comenzó con el sacrificio de su hijo y terminó con el sacrificio del carnero, y con esta tradición, se dice explícitamente que Isaac es el cordero de la ofrenda quemada: אתההשהלעלהבני” -«Tú eres el cordero, mi hijo»
la imagen cristiana del cordero, cuya muerte y resurrección tienen un poder expiatorio y un efecto redentor en nombre de las generaciones futuras, está claramente relacionada con este sacrifício de Isaac (Aqedat Itzjak) en la tradición judía. La próxima vez continuaremos discutiendo esta conexión.

Julia Blum- Israel Institute of Biblical Studies

En 1530, fray Juan de Zumárraga, primer obispo de la Nueva España, expidió una ordenanza para celebrar una “Farsa de la Natividad Gozosa de Nuestro Salvador”. A partir de estos principios, se han escrito entremeses y coloquios, inicialmente por los franciscanos que fueron los primeros en llegar a tierras novohispanas. Un poco más tarde le siguieron otras órdenes religiosas. Posteriormente, con los autores laicos, las pastorelas navideñas se alejaron de su contenido religioso para adquirir un carácter más popular de la Navidad en México, que refleja costumbres y formas de vida de las clases sociales, y se dieron también versiones locales.

El argumento básico de una pastorela consiste en que unos pastores intentan ir a Belén para adorar al Niño Dios recién nacido, pero un grupo de diablos pone toda clase de obstáculos en su camino para impedirlo. Al final vence el bien, Lucifer es derrotado por San Miguel o por un “ángel”, y los pastores entregan regalos para el Santo Niño, lo arrullan y le cantan villancicos. Todos los asistentes besan al Niño y con la tonada de la despedida se termina la actuación.

Los personajes en las pastorelas son pastores, diablos, ángeles, arcángeles y un ermitaño. Frecuentemente hay otros protagonistas adicionales como indios, rancheros, un monje y otros. Aunque la Virgen María, San José y el Niño Jesús suelen estar presentes como figuras del Nacimiento, en algunas pastorelas son personas quienes los caracterizan, pero no forman parte en el diálogo, como pasaba en el “Auto de la Adoración de los Reyes Magos”.

El poeta tabasqueño Carlos Pellicer describió la representación del Nacimiento de la siguiente manera: “Y en una gruta, bajo el cielo de Navidad, arregló el pesebre, colocó el buey y el asno; sobre el pesebre, puso el ara en la cual un sacerdote operó el ritual de la misma, cuyo valor histórico, plásticamente hablando, no tiene par”.

En 1928 Cantú se instalaba en Los Ángeles California con la idea de tener un receso de lo vivido en Paris y con la idea de preparar una serie de exposiciones. Muy pronto ahí surge la oportunidad de pintar lo que seria su primera obra mural en la parroquia de Pasadena California, donde estará descrita en una serie de paneles representando la pasión , dentro de la composición esta representada la música sacra con un quinteto de ángeles músicos .
Ya en 1937 Federico decide mudar su atelier a Nueva York para exponer en los mas importantes museos de America : MOMA , Metropolitan Museum, Santa Bárbara Museum, Philadelphia Museum of Art , Art Club Chicago….. y es en este periodo donde Federico se rencontrara con todos estos maestros que había frecuentado en Montparnasse y que la segunda gran guerra habría de incluirlos dentro de ese gran éxodo que cambiaria el mundo en todos los sentidos .

Madona 1928 y La Epifanía 1942 son muestra del conocimiento bíblico que Federico cultivara durante toda su trayectoria ,

dos grandes liensos, dentro del gran legado del maestro del arte sacro, obras que se convertirán en testimonio de un lenguaje propio que le permitirá lograr un lugar en el Museo Vaticano 

Adolfo Cantú

CYDT Collection 

Como parte de las actividades por el 70 aniversario del Salón de la Plástica Mexicana, presentamos la exposición La obra de Federico Cantú. Del impresionismo al nacionalismo. Con esta retrospectiva organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y para rendir homenaje al artista neoleonés a 30 años de su fallecimiento.

El vinculo 

Las obras de Federico Cantú Garza (1907-1989) se exhibió  junto a piezas de artistas como Toyohara Chicanobu, Tamiji Kitagawa, Katsushika Hokusai, Toyohara Kunichika, Alfredo Ramos Martínez, Félix Parra, y Pierre-Auguste Renoir.

Mas de 50 obras de caballete, escultura, gráfica, cuadernos de trabajo y proyecto mural, que exploran el puente existente entre la escuela francesa del impresionismo y la postura del arte japonés en torno a la misma, pasando por los pioneros en trasladar lo aprendido en la Escuela de París del siglo XIX al México posrevolucionario, como es el caso de Cantú Garza.

Para nuestras colecciones fue un privilegio compartir nuestros acerbos y sumarlos a la celebración del 70 aniversario del Salón de la Plástica Mexicana, a partir de obras de la Colección de Arte Cantú y De Teresa y la Colección Museo Casa Estudio Federico y Elsa.

Adolfo Cantú

Art Consultant & Specialist

Fideicomiso Museo Casa Estudio Federico & Elsa

La Colección  de arte Cantú Y de Teresa

Se suman a la Exposición Aniversario que celebra El Salón de la Plástica  Mexicana

Federico Cantú 1928 Paris – California

“Vivíamos ese tiempo con mucha pasión pero la verdad es que éramos todos aspirantes a morirnos de hambre”

Como un breve respiro despues de una larga estancia en Paris iniciada en 1924 – “Dorian” -Seudónimo utilizado por el joven Cantú,  decide en la primavera de 1928 visitar México.

 Saliendo de Francia en el acostumbrado viaje en barco en tercera clase y con escala en Cuba, para por fin llega a Veracruz en Mayo de 1928 y de ahí a la Ciudad de México.

 Llegando exhausto despues de la travesía de semanas el joven artista pasara unas semanas en la casa de la calle de San Francisco en la Colonia del Valle antes de salir a California donde se instalara junto con su Esposa Luz Fabila . 

En su equipaje, que se compone principalmente de herramienta , incluye un par de revolver’s, material pictórico, libros y ropa. Él joven maestro, amante de la literatura, también atesora el Ulises de Joyce, el Fausto de Goethe y suma la preciada obra de Oscar Wilde misma que da fe de su nombre artístico.

Madonas y Vírgenes:

Las Madonas y las Vírgenes son una constante en la obra de Cantú , el tema ya es tratado por él desde la época de la Escuela al Aire Libre de Coyoacán , sin embargo, esa devoción por el arte sacro se va amalgamando poco a poco en la obra, al grado que en 1928, Cantú pinta su primer obra mural en Pasadena California, donde incluye el pasaje del Cristo Negro, pero también y a manera de retablos pinta la obra Madona y Descanso en la Huida a Egipto, donde la Virgen y el Niño son el elemento central : Como gran testimonio queda la serie de tintas incluidas en la “Carpeta Dorian” temáticas que ya narran este laberinto bíblico.

Dice Cardoza y Aragón-

En Federico, su vida como pintor, escultor, muralista ,  su vida entera, ha sido honesta y ejemplar. Ha realizado tanto como ha querido, y viene lo dicho por Ramain Rolland a propósito de Händel-  Es como un Océano inmenso al que todos los ríos del Universo no podrían calmar la sed ni turbar la serenidad-

El Arte  Erótico de Cantú 

EL arte erótico no es nada menos que la historia del deseo humano en todas sus manifestaciones. Está extasiada pasión por el fruto prohibido, se siente libre en la expresión sexual dibujada, labrada a lo largo de centenares de obras concebidas por Federico Cantú.

 ¿Qué es el deseo de hacer arte, si no el deseo de expresar el anhelo de una pasión alcanzada en la vida, esa  sexualidad humana , tierna, lúdica y apasionada brutalmente, desgarradora y transgresora.

Si tienes la suerte de haber vivido

       en Paris cuando joven. Luego Paris te acompañara, vayas a donde vayas.

                                                                      Ernest Hemingway.

Dualidad Cantú Y Monasterio

Convergencias en el Arte  Federico Cantú & Luis Ortiz Monasterio

Arte Monumental Cantú & Monasterio

Cuantos de nosotros conocemos nuestro Patrimonio?

Cuantos mas conocemos la historia de nuestros monumentos?

Quien conoce la obra monumental de Federico Cantú y de Luis Ortiz Monasterio?

Que representa la Tira de la Peregrinación, o que nos quiso decir con las Enseñanzas de Quetzalcóatl, o el monumento ala Madre o, la Maternidad IMSS?

Son preguntas frecuentes que aun hoy merecen ser analizadas!

Federico Cantú y  Luis Ortiz Monasterio pertenecieron a la denominada Escuela Mexicana , si bien a Cantú se le conoce por su larga carrera en la pintura de caballete y obra monumental, 

la escultura y el grabado al buril , poco se ha dicho de su obra mural al fresco , Lo mismo pasa con Monasterio, si bien dedica su vocación a la escultura y el relieve monumental, también transitara dentro en la arquitectura , diseño, critica de arte,  docencia  y en la grafica.

Dentro de este entorno y con miras a la recuperación y difusión de su obra monumental  

aprovechamos el 70 Aniversario de El Salón de la Plástica para recuperar la memoria 

mural de ambos titanes del Arte Nacional.

Convergencias en el Arte Cantú & Monasterio

Federico Cantú & Luis Ortiz Monasterio

En 1928 dos jóvenes artistas se instalaron en Los Ángeles California ( Federico Cantú 1907-1989 y Luis Ortiz Monasterio1906-1990) , la idea de triunfar en un foro internacional parecía rezón de sobra para tan prometedora carrera , si bien el inicio no fue nada fácil, el 29 fue poco mas que fatal,  al grado de que  para 1930 Monasterio ya radicaba en México y Cantú regresaba ha re hacer su Atelier en Paris.  

Decía Cantú – A Monasterio lo conocí junto con Díaz de León, Jean Charlot y Canessi cuando asistíamos a la Escuela del legendario Alfredo Ramos Martínez, que fue mi maestro en la Escuela al Aire libre de Coyoacán .   Un dia Ramos Martínez  le dijo a mi madre;  “El futuro de su hijo esta en Paris”, y sin mas me fui por una década y así conocí a todo este grupo de grandes luminarias.

Empecé como asistente en el atelier del escultor  José  Decrefft,

por ello conocí al grupo de españoles cercanos a Picasso, Julio González, Ginés Parra, Mateo Hernández y posteriormente conocí a José Moreno Villa uno de los mas allegados a Lorca , Dalí , Buñuel y Aragón.

Llegue a Francia a los 16 años, de chico es cuando uno cree más en las metas – recuerdo que fueron muy gentiles conmigo los viejos, me enseñaron además de las mañas de andar tras las viejas y el alcohol , mucho del criterio de ellos. Amigos como José Decrefft , Mateo  Hernández , Ginés Parra y por supuesto Don Alfonso Reyes,el cual  me decía , “la única manera de ser provechosamente nacional consiste en ser generosamente universal” y agregaba “pues nunca la parte se entendió sin el todo”.

En 1937 Federico Cantú insistiría en la idea de triunfo y ahora instalaba su Atelier en NY , esta vez  Monasterio no se apunto, pero Federico lo recuerda en una de sus cartas 

“Ya le dije a Monasterio que aquí en Nueva York él también puede triunfar”

A mediados de los 40 s  ya en México ambos amigos trabajaban la monumentalidad, 

Monasterio gano un proyecto para construir el “Monumento a la Madre” y Cantú trabajaba en los murales de Pinacoteca Virreinal .

En diferentes ocasiones nuestra colección de arte ha tenido la fortuna de colaborado en cientos de exposiciones y de paso en la recuperación de obras murales,  tanto de Cantú, como de Monasterio y he ahí la importancia de preservar el legado de estos dos grandes maestros, para con ello recuperar la memoria histórica de nuestro Arte.

Para la Colección de Arte Cantú Y de Teresa es un honor el poder compartir el acerbo que comprende ; pintura de caballete, grafica, esculturas , proyectos murales, estarcidos , documentos, correspondencia, fotografías etc.

Sin duda lo mas importante para nosotros,  es compartir y reiterar nuestro compromiso junto con el deseo de preservar el legado de la Escuela Mexicana del siglo XX .

Adolfo Cantú

Colección de Arte Cantú Y de Teresa

Salón de Escultura 2019 

CYDT 

Los rasgos definitorios primordiales del arte escultórico durante el siglo XX fueron la pérdida de la condición figurativa y, a través del amplio abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias, la aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador.

Una característica importante de la escultura del siglo XX es el papel que la pintura ha jugado en ella. Desde el renacimiento el pintor ha ocupado una posición dominante en las artes visuales. Por lo que, el renacimiento de la escultura en el siglo XX ha sido en gran parte el resultado de una interacción sana entre ésta y la pintura. Los escultores han mirado en la pintura y han sido profundamente influenciados por cada movimiento de la pintura moderna. Pero, también, los pintores han mirado en la escultura, y muchos han producido importantes esculturas.

Adolfo Cantú

Collection de Arte Cantú Y de Teresa